El Centro de Arte Hortensia Herrero nace con el doble propósito de compartir con la sociedad el arte contemporáneo más relevante a nivel internacional y de contribuir a que la Comunitat Valenciana sea un destino cultural y artístico de referencia.
El centro reunirá la colección privada de la Fundación Hortensia Herrero, que incluye obras de artistas como Andreas Gursky, Anselm Kiefer, Georg Baselitz o Anish Kapoor, junto a exposiciones temporales de otros artistas de talla mundial.
El proyecto cumple además con otro de los objetivos de la fundación: la recuperación del patrimonio histórico a través de la rehabilitación de un antiguo palacio de València, proporcionando una nueva vida a un edificio emblemático.
La apertura del centro está prevista para el año 2023.
27 de Mayo – 19 de Septiembre de 2021
La exposición que organiza la Fundación Hortensia Herrero presenta por primera vez en València esculturas monumentales de Julian Opie (Londres, 1958). La muestra reúne dieciséis obras, instaladas en la plaza del Colegio del Patriarca y el Centre Cultural La Nau, que se centran en la figura humana en movimiento, caminando por la ciudad, sola o en medio de una multitud; paseando, corriendo para coger un tren o esperando en la plaza con los brazos cruzados.
La propuesta traspasa los márgenes habituales de un museo para tomar las calles del centro de València con el objetivo de acercar el arte contemporáneo a la ciudadanía. Para este proyecto el artista ha creado dos esculturas de acero de doce metros de altura y seis toneladas de peso -nunca vistas hasta ahora- que ocupan la plaza del Colegio del Patriarca y cambiarán durante unos meses el paisaje urbano de la ciudad. Las piezas representan dos figuras humanas, gente del entorno del artista a la que capta desarrollando una actividad cotidiana.
Junto a ellas, se instala un grupo escultórico de cuatro caminantes de más de dos metros cuyo origen son fotografías que Opie toma de personas anónimas que circulan por la calle. Estas piezas parecen, más que esculturas, dibujos en tres dimensiones. Y es que toda la obra del creador británico tiene su origen en el dibujo, el primer pensamiento visual de todo artista.
La muestra continúa en el claustro de La Nau con unas figuras que dialogan con la estatua de Luis Vives. Un contraste entre lo nuevo y lo viejo. Unas piezas contemporáneas enfrentadas a una escultura decimonónica de José Aixá. Una estatua académica que representa a un hombre avanzado a su época, un humanista del Renacimiento que nació en València y se formó en esta universidad, pero que se trasladó al país de Julian Opie para trabajar en la corte de Enrique VIII junto con su amigo y colega Tomás Moro. Ahora estas esculturas hacen el camino inverso al de Luis Vives y viajan de Londres a València para rendirle homenaje al pensador valenciano.
La exposición se completa con dos cajas de luz, dos cubos con más caminantes y sus conocidas animaciones en pantallas de LED, visiones de multitudes anónimas en sus quehaceres diarios en las grandes urbes. Estas piezas, con el mismo estilo de los frisos del arte antiguo de Egipto, muestran personajes con los rasgos faciales escamoteados, enlazados por las sempiternas líneas negras con que Opie sujeta a sus personajes.
Según Opie, “las primeras estatuas griegas y egipcias se tallaban a menudo como figuras en movimiento. El movimiento implícito da una dinámica y una elegancia a la figura, una percepción de intención, independencia y poder. Una figura de pie parece estar reaccionando ante quien la observa. Sin embargo, una figura en posición de caminar está distraída, por lo que se puede mirar sin confrontación. El concepto de escala es algo extraño, leemos la escala en relación con nosotros mismos —los elefantes son grandes, y las hormigas, pequeñas—, pero se puede invertir fácilmente; los sistemas solares pueden parecer pelotas de ping-pong, y los interiores de los ordenadores, ciudades asiáticas. Tenemos la capacidad de proyectar y ver desde fuera de nuestra perspectiva”.
La exposición, que cuenta con la colaboración del Ayuntamiento de València y la Universitat de València, a través del Vicerrectorado de Cultura y Deporte, se exhibe del 27 de mayo al 19 de septiembre de 2021.
Julian Opie nació en 1958 en Londres y se graduó en 1983 en la Escuela de Arte de Goldsmiths. Vive y trabaja en Londres.
Gracias a encargos de entes públicos en ciudades como Seúl, Nueva York, Luxemburgo o Zúrich y un flujo constante de grandes exposiciones en museos a escala internacional, la obra de Julian Opie es conocida en todo el mundo. El característico lenguaje formal de Opie es fácilmente reconocible y refleja su preocupación artística por la idea de la representación y los medios por los que se perciben y comprenden las imágenes.
Siempre explorando diferentes técnicas tanto innovadoras como antiguas, Opie juega con las distintas formas de reinterpretar el vocabulario de la vida cotidiana; su estilo reduccionista evoca una experiencia visual y espacial del mundo que nos rodea. El artista conecta la sencillez del lenguaje visual de la vida moderna con los fundamentos de la historia del arte abrazando la influencia de retratos clásicos, jeroglíficos egipcios y grabados japoneses en madera, así como carteles públicos, paneles de información y señales de tráfico.
Sus principales exposiciones en museos han sido en Kunstverein, en Colonia; Hayward Gallery e ICA, en Londres; K21, en Düsseldorf; MAK, en Viena; Torre Mito, en Japón; CAC, en Málaga; IVAM, en València; MoCAK, en Cracovia; Tidehalle, en Helsinki; Fosun Foundation, en Shanghái; Suwon IPark Museum of Art, en Corea del Sur; National Gallery of Victoria, en Melbourne, y Museo Berardo, en Lisboa.
La lista de proyectos públicos en los que ha intervenido incluye el edificio Dentsu, Tokio 2002; el City Hall Park, Nueva York 2004; el río Vltava, Praga 2007; Calgary, Canadá, 2012; PKZ, Zurich 2014; Carnaby Street, Londres 2016; Tower 535, Hong Kong 2016 y Fosun Foundation, Shanghái 2018.
Opie cuenta con obras en colecciones públicas de arte como la Tate, el British Museum, Victoria & Albert Museum, Arts Council, British Council y National Portrait Gallery en Londres; el MoMA, en Nueva York; el ICA, en Boston; Essl Collection, en Viena; el Museo de Israel, en Jerusalén, y el Museo de Arte de la Ciudad de Takamatsu, Japón.
Nha Trang, 2004.
273.2 x 185 cm (sin marco)
295.5 x 207 cm (con marco).
Edición 3/6
Reconocido como uno de los fotógrafos más importantes de nuestro tiempo, Andreas Gursky (Leipzig, 1955) ha modificado la percepción que el público tenía de la fotografía a través de obras -a veces de más de cinco metros y siempre en color- que impactan al espectador por su monumentalidad.
Perteneciente a la Escuela de Düsseldorf junto a fotógrafos como Candida Höffer, Axel Hütte o Thomas Ruff, en sus imágenes es fundamental la idea de la repetición y la acumulación de objetos similares que, a pesar de la complejidad evidente, mantienen un orden implícito. En sus obras utiliza técnicas digitales, luz difusa, vistas frontales y puntos de vista elevados para crear fotografías con una riqueza de detalles, como ocurre con la pintura.
Los deshumanizados bloques de viviendas, aeropuertos, vestíbulos de oficinas, campos de fútbol o productos alineados en un supermercado que retrata en sus composiciones lo han convertido en el fotógrafo de la globalización y la modernidad.
Sus fotografías se exponen en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, la Tate Modern de Londres o el Museo de Arte Moderno de Múnich, entre otros.
Walhalla, 2015-2017.
280 x 380 x 38 cm.
La obra del alemán Anselm Kiefer (Donaueschingen, 1945) recurre a materiales de ruinas como cenizas, tierra, paja, hormigón o plomo para mostrar la destrucción de la posguerra y la decadencia de los ideales germánicos. El artista nació en Alemania unos meses antes del término de la II Guerra Mundial y a lo largo de su trayectoria siempre ha defendido que el pasado debe enfrentarse en toda su incomodidad y nunca suprimirse. Interesado en la cábala judía, la alquimia, la mitología nórdica o la ópera wagneriana, es uno de los artistas vivos más cotizados y con mayor presencia internacional.
Sus lienzos, siempre de grandes dimensiones, con mucha materia orgánica y poco color, están poblados por arboledas en llamas, ciudades calcinadas y hombres solitarios que remiten a la historia y a la memoria. La producción de Kiefer incluye pinturas, esculturas, fotografías y libros de artista.
En Walhalla el artista alemán hace referencia al Valhalla de la mitología nórdica, un paraíso donde vivían los dioses y al que eran llevados por las famosas valquirias los muertos en combate.
Bündel, 2015.
146.5 x 73 x 78 cm.
George Baselitz (Deutschbaselitz, 1938) es uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo. A lo largo de su trayectoria se ha mantenido fiel a las disciplinas clásicas de pintura y escultura. Su obra, que muestra su reacción ante los acontecimientos en la Alemania del período de la posguerra, supone un retorno a la figuración y enlaza con la tradición alemana de los expresionistas de principios del siglo XX.
En 1969 presenta sus famosas pinturas Upside Down en las que todas las figuras y paisajes están pintados al revés. Con este recurso el artista propone una ruptura parecida a lo que en su día constituyó el cubismo, creando todo un universo invertido. En sus esculturas, al igual que en la pintura, se centra en la figura humana tallando directamente del tronco, fruto de la intuición y del reflejo del artista, remitiendo al arte africano que tanto admira.
La obra de Baselitz se encuentra en museos y colecciones privadas de todo el mundo como el Museum of Modern Art (MoMA), Metropolitan Museum of Art (MET), Guggenheim Museum, Centre Georges Pompidou, Stedelijk Museum o Tate Modern.
Random Triangle Mirror, 2013.
190 x 190 x 29 cm.
El escultor anglo-indio Anish Kapoor (Bombay, 1954), ganador del prestigioso Premio Turner en 1991, ha expuesto su obra en museos como la Tate Modern o la Royal Academy of Arts y sus obras ilustran las páginas del pasaporte británico.
Integrante de la New British Sculpture, que transformó la escena artística londinense durante los años 80, su exploración de la forma y el espacio, así como el empleo del color y de los materiales, lo han convertido en el gran renovador de la escultura contemporánea.
Gran parte del trabajo del artista cuestiona la percepción de la realidad y busca transmitir un significado metafísico para que sea reinterpretado individualmente por cada espectador. La idea del vacío en sus obras supone una nueva dimensión del espacio interior de la escultura, que hasta entonces había sido un elemento que pertenecía exclusivamente al campo arquitectónico.
En sus más de 40 años de trayectoria ha investigado y experimentado con todo tipo de materiales y técnicas, desde piedra, cera, fieltro, acero o espejos que reflejan el cielo, creando obras de cualquier tamaño imaginable y traspasando cualquier barrera. Otro elemento fundamental en sus esculturas es el color, que funciona como una obra en sí misma, utilizando siempre los primarios -azules, rojos y amarillos brillantes-.
Bündel, 2015.
146.5 x 73 x 78 cm.
George Baselitz (Deutschbaselitz, 1938) es uno de los artistas más influyentes de nuestro tiempo. A lo largo de su trayectoria se ha mantenido fiel a las disciplinas clásicas de pintura y escultura. Su obra, que muestra su reacción ante los acontecimientos en la Alemania del período de la posguerra, supone un retorno a la figuración y enlaza con la tradición alemana de los expresionistas de principios del siglo XX.
En 1969 presenta sus famosas pinturas Upside Down en las que todas las figuras y paisajes están pintados al revés. Con este recurso el artista propone una ruptura parecida a lo que en su día constituyó el cubismo, creando todo un universo invertido. En sus esculturas, al igual que en la pintura, se centra en la figura humana tallando directamente del tronco, fruto de la intuición y del reflejo del artista, remitiendo al arte africano que tanto admira.
La obra de Baselitz se encuentra en museos y colecciones privadas de todo el mundo como el Museum of Modern Art (MoMA), Metropolitan Museum of Art (MET), Guggenheim Museum, Centre Georges Pompidou, Stedelijk Museum o Tate Modern.
Random Triangle Mirror, 2013.
190 x 190 x 29 cm.
El escultor anglo-indio Anish Kapoor (Bombay, 1954), ganador del prestigioso Premio Turner en 1991, ha expuesto su obra en museos como la Tate Modern o la Royal Academy of Arts y sus obras ilustran las páginas del pasaporte británico.
Integrante de la New British Sculpture, que transformó la escena artística londinense durante los años 80, su exploración de la forma y el espacio, así como el empleo del color y de los materiales, lo han convertido en el gran renovador de la escultura contemporánea.
Gran parte del trabajo del artista cuestiona la percepción de la realidad y busca transmitir un significado metafísico para que sea reinterpretado individualmente por cada espectador. La idea del vacío en sus obras supone una nueva dimensión del espacio interior de la escultura, que hasta entonces había sido un elemento que pertenecía exclusivamente al campo arquitectónico.
En sus más de 40 años de trayectoria ha investigado y experimentado con todo tipo de materiales y técnicas, desde piedra, cera, fieltro, acero o espejos que reflejan el cielo, creando obras de cualquier tamaño imaginable y traspasando cualquier barrera. Otro elemento fundamental en sus esculturas es el color, que funciona como una obra en sí misma, utilizando siempre los primarios -azules, rojos y amarillos brillantes-.
La primera gran obra del Centro de Arte Hortensia Herrero será el propio edificio que la albergará, el Palacio Valeriola. Una emblemática edificación de estilo barroco construida en el siglo XVII en pleno centro histórico, en la que se pueden encontrar restos del Circo Romano y de la antigua judería de la ciudad.
Tras haber sido destinado a múltiples fines y varias décadas en desuso, la Fundación Hortensia Herrero ha adquirido el Palacio Valeriola con el fin de restaurarlo y darle una nueva vida como centro de arte.
Disfruta con nosotros de la evolución de las obras en los vídeos que iremos compartiendo hasta su culminación.
València, futura sede del Centro de Arte Hortensia Herrero, está viviendo una de sus épocas más dulces a nivel cultural, y la noticia de que será la capital mundial del diseño en 2022, es la confirmación de ello. Tanto diseñadores como artistas y arquitectos locales contribuyen para que el nombre de esta ciudad aparezca cada vez más grande en los mapas.
Además de un futuro prometedor, València acumula una historia de más de 2.000 años, reuniendo un legado patrimonial de gran importancia. Esta herencia ha sido uno de los principales focos de actuación de la fundación desde sus inicios.
La Fundación Hortensia Herrero surge en 2012 con el objetivo de promover el interés, el conocimiento y la sensibilidad por el arte y la cultura a través de proyectos creados en la Comunitat Valenciana por artistas de todo el mundo.
Entre sus actuaciones más destacadas se encuentran la restauración del Colegio Mayor del Arte de la Seda de València, la recuperación de los frescos de la Iglesia de San Nicolás –la “Capilla Sixtina valenciana”–, diversas exposiciones temporales de esculturas monumentales en varias ciudades de la Comunitat Valenciana y el apoyo a la danza a través de la Gala Valencia Danza Somos Arte y el Campus Internacional Valencia Danza.
Además del Centro de Arte Hortensia Herrero, una vez restaurado, el Palacio Valeriola acogerá también las oficinas de la Fundación Hortensia Herrero.
Hortensia Herrero es presidenta de la fundación que lleva su nombre y vicepresidenta y accionista mayoritaria de Mercadona, la primera red de supermercados de España. Su labor filantrópica está motivada por su voluntad de corresponder a la tierra donde nació y que tanto le ha dado.
Doña Hortensia Herrero, Presidenta de la Fundación Hortensia Herrero
Doña Hortensia Herrero,
Presidenta de la Fundación Hortensia Herrero
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